LAZIO. ROMA. GLI IRRIPETIBILI ANNI 60 TRA ROMA E MILANO IN MOSTRA FINO AL 31 LUGLIO 2011

2 Maggio 2011

GLI IRRIPETIBILI ANNI 60

TRA ROMA E MILANO

MUSEO FONDAZIONE ROMA

Dal 10 maggio al 31 luglio 2011

ROMA.Dopo lo straordinario successo della mostra Edward Hopper, prosegue la fortunata partnership culturale tra la Fondazione Roma e il Comune di Milano – Cultura e Palazzo Reale con una grande esposizione che rende omaggio a una stagione artistica irripetibile, quella sviluppatasi tra la fine degli anni Cinquanta e la metà degli anni Settanta, tra Roma e Milano. La mostra “Gli irripetibili anni ‘60. Un dialogo tra Roma e Milano” intende raccontare il ruolo fondamentale delle interazioni culturali tra Roma e il capoluogo lombardo in questo periodo, individuando in esse l’epicentro creativo delle nuove sperimentazioni e ricerche al di là dell’arte codificata. L’esposizione, a cura di Luca Massimo Barbero, sarà ospitata nelle prestigiose sale del Museo Fondazione Roma, Palazzo Cipolla, dal 10 maggio al 31 luglio 2011 e successivamente si trasferirà a Milano dal 7 settembre al 20 novembre 2011 negli spazi espositivi di Palazzo Reale.

La mostra, promossa dalla Fondazione Roma e realizzata in collaborazione con il Comune di Milano – Cultura, Palazzo Reale e con la Fondazione Marconi, è organizzata dalla Fondazione Roma – Arte – Musei con Arthemisia Group. “Con questa mostra – afferma il Prof. Avv. Emmanuele F.M. Emanuele, Presidente della Fondazione Roma – vogliamo rappresentare al grande pubblico quello che fu un momento di svolta nella cultura artistica del nostro Paese, un decennio di ricerche d’avanguardia che ha avuto nella scena creativa romana e milanese degli Anni Sessanta il proprio epicentro. In quegli anni, infatti, Roma e Milano erano grandi città laboratorio, dove la vitalità di una società in rapida evoluzione economica e culturale trovava la sua espressione visiva in una scena artistica creativa, dinamica e in grado di recepire e offrire progetti di valenza internazionale. Abbiamo voluto raccontare questo periodo attraverso una mappatura delle energie creative, dell’attività delle gallerie, delle occasioni promosse dalle istituzioni pubbliche, delle proposte dei nuovi gruppi sperimentali attivi in quegli anni, tra quadri e sculture, passando dalla tabula rasa del monocromo alla sperimentazione optical e cinetica, dal Nouveau Réalisme alla Pop Art. Questa mostra, dunque, restituirà l’immagine vitale e propositiva di un periodo recente della nostra storia culturale e consentirà di conoscere l’attività dei grandi artisti di quell’indimenticabile periodo”.

In mostra sono presenti oltre 170 opere di artisti quali Lucio Fontana, Alexander Calder, Gianni Colombo, Pietro Consagra, Piero Dorazio, Alighiero Boetti, Luciano Fabro, David Hockney, Yves Klein, Franz Kline, Piero Manzoni, Fausto Melotti, Man Ray, Mimmo Rotella, Mario Schifano, Günther Uecker, Roberto Crippa, Gianni Dova, Arman, Enrico Baj, Lucio del Pezzo, Giulio Paolini, Osvaldo Licini, Giò Pomodoro, Giuseppe Uncini, Franco Angeli, Tano Festa, Valerio Adami, Emilio Tadini, Giuseppe Bertini. Le opere provengono dalla prestigiosa Fondazione Marconi di Milano e da importanti istituzioni tra le quali la Fondazione Lucio Fontana di Milano, il MART di Trento e Rovereto, la Fondazione Piero Manzoni di Milano, la Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri di Città di Castello, The Berardo Collection di Lisbona, la Collezione Peggy Guggenheim di Venezia, la Galleria Civica d’Arte Moderna di Spoleto e il Museo Thyssen-Bornemisza di Madrid.

Dopo il 1945, con la fine della Seconda Guerra Mondiale, l’Italia comincia a risvegliarsi dal ventennio fascista. L’intero Paese da una parte continua a patire le conseguenze delle distruzioni causate dalla guerra e dall’altra comincia ad assaporare gli agi del benessere che avrebbero da lì a poco portato al boom economico. Il “miracolo economico” dovuto a questi profondi rivolgimenti vedrà il suo apice proprio tra il 1958 e il 1963. In questi anni Roma vive una esaltante stagione in cui la cultura di massa incide non solo nel contesto socio-culturale, ma anche in quello urbanistico e relativo ai codici della creatività e della comunicazione contemporanea. Milano invece – dove tutto era più estremo ed evidente – diventa la città che incarna dai tempi del Futurismo di inizio secolo i valori della modernità. Mentre Roma implode artisticamente diventando centro propulsivo della scena artistica nazionale, Milano è vista come il centro dell’Avanguardia Internazionale in cui prendono forma movimenti e tendenze. Poli di una creatività antagonista e complementare, le due città si ritrovano negli anni sessanta protagoniste di quella civiltà dell’immagine destinata a determinare il futuro. È proprio in questi anni che operano e si sviluppano alcune importanti gallerie d’arte:

a Milano la Galleria Apollinaire di Guido Le Noci, il Salone Annunciata di Carlo Grossetti, la Galleria dell’Ariete di Beatrice Monti, la Galleria Blu di Peppino Palazzoli, la Galleria Milano di Carla Pellegrini, la Galleria Lorenzelli, lo Studio Marconi e la Galleria del Naviglio di Carlo e Renato Cardazzo (che tra 1955 e 1960 hanno avuto come loro sede romana la Galleria Selecta). Nella capitale operano già altre note gallerie come L’Obelisco di Irene Brin e Gaspero del Corso, La Tartaruga di Plinio De Martiis, La Salita di Gian Tommaso Liverani, L’Attico di Bruno e poi Fabio Sargentini. Una particolare attenzione sarà dedicata in mostra all’attività dello Studio Marconi come uno dei principali centri di innovazione dell’epoca: inaugurato nel 1965 a Milano da Giorgio Marconi, lo Studio infatti era uno dei luoghi d’incontro prediletti dalle personalità artistiche e culturali di spicco di quegli anni. Alla fine del percorso espositivo una speciale sezione audiovisiva multimediale a tre canali su grandi schermi aiuterà il visitatore attraverso la proiezione di immagini, video, filmati ed interviste inediti, a rivivere il clima effervescente di quel periodo mettendo in relazione le arti visive con altri settori della cultura strettamente correlati ad esse, come la letteratura, il teatro, il giornalismo, la fotografia, la cronaca, il design e la moda.

LA MOSTRA

L’esposizione è articolata in quattro sezioni che esemplificano i differenti indirizzi assunti dalla ricerca artistica nel corso del decennio: l’azzeramento espressivo della monocromia, l’impiego di oggetti e immagini nella emergente cultura Pop, l’internazionalità e la nuova scultura, la sperimentazione tra materiali, segni e figure.

Sezione 1 – Monocromia e astrazione

La prima sezione della mostra è dedicata al percorso di riduzione espressiva avviato alla fine degli anni Cinquanta, con una particolare attenzione per quelle ricerche che hanno privilegiato la scelta della superficie monocroma, spesso bianca, come nuova tabula rasa per una creatività libera. Figura centrale di questa sezione è Lucio Fontana, che avvia nel suo lavoro, tra il 1958 e il 1959, la serie dei tagli, caratterizzati da rarefazione compositiva e tensione spaziale. Attorno a lui si costituisce una linea che trova tra i suoi principali esponenti, raccolti attorno all’esperienza della rivista/galleria Azimuth/Azimut (grande “vivaio” per la nuova contemporaneità, costituitosi a Milano nel 1959), artisti come Piero Manzoni ed Enrico Castellani, Dadamaino, Agostino Bonalumi, Paolo Scheggi; una situazione che a Roma dialoga con Francesco Lo Savio e Fabio Mauri. Presenza fondamentale a Milano è quella di Yves Klein che nel 1957 presenta i suoi lavori monocromi alla Galleria Apollinaire, diventando un punto di riferimento centrale per la nuova generazione. Le radici di queste ricerche sono esemplificate in mostra dalla presenza di alcuni maestri della stagione precedente che rivestono fondamentale importanza per le nuove generazioni: da un lato, Franz Kline e Alberto Burri; dall’altro, Alexander Calder, Fausto Melotti, Osvaldo Licini e Pietro Consagra. Tra le più significative presenze di questa sezione: un “Concetto spaziale” di Fontana collocato a soffitto, una sperimentale “Plastica” di Burri, un grande dipinto gestuale di Kline, il Ritratto di Giovanni Carandente di Calder, alcuni “Achrome” realizzati da Manzoni con caolino, tele grinzate e cucite, pietre, e uno speciale allestimento a parete che raccoglie una serie di rarità, tra gioielli d’artista e sculture.

Sezione 2 – Oggetti e immagini Pop

La seconda sezione della mostra è dedicata al dialogo tra il recupero dell’oggetto e dell’icona caratteristico del Nouveau Réalisme e l’emergente cultura della Pop Art. Le sperimentazioni oggettuali del gruppo del Nouveau Réalisme, costituitosi proprio a Milano nel 1960 attorno alla Galleria Apollinaire, sono documentate dai lavori di Mimmo Rotella, Arman, César, Raymond Hains, Jacques Villeglé, Christo, che nel 1970 sono anche protagonisti di una serie di interventi nel contesto urbano della città, in occasione di uno speciale Festival dedicato al primo decennale di questo movimento. La parallela e intrecciata linea d’indagine a Roma, in dialogo con la nascente cultura Pop, è fondata sulla rivisitazione e dissacrazione di materiali e icone della tradizione espressa da Mario Schifano, Franco Angeli, Tano Festa, Giosetta Fioroni, Cesare Tacchi e Sergio Lombardo. Tra i più singolari prestiti di questa sezione, si segnalano quattro importanti opere di Hockney dei primi anni sessanta, due delle quali provenienti dalla Berardo Collection e dal Museo Thyssen-Bornemisza di Madrid, una grande scultura composta da barili assemblati e dipinti da Christo, un Omaggio ad Arman di Rotella, alcuni lavori appartenenti allo scintillante ciclo di Schifano Tuttestelle.

Sezione 3 – L’internazionalità e la nuova scultura

Milano assume sempre più il ruolo di “fabbrica” delle nuove immagini in un dialogo serrato con New York ma soprattutto con Londra, presentando nella propria scena artistica di questo decennio protagonisti della Pop Art inglese come Peter Blake, Richard Hamilton, David Hockney, Joe Tilson. Il rinnovato interesse per i grandi maestri del Dadaismo e del Surrealismo, come Marcel Duchamp e Man Ray, presenti a queste date in italia, si traduce anche nella nuova tipologia scultura, nelle centinature di Pino Pascali e nella nuova oggettualità di Christo, e in una eredità performativa in questa occasione esemplificata da Joseph Beuys. Milano è anche luogo di matrici neoindustriali che promuovono la ricerca scientifica in relazione alla cultura metropolitana, muovendosi tra cultura del progetto, design, arti visive e sperimentazione. In questo contesto, le opere del Gruppo T (Giovanni Anceschi, Davide Boriani, Gianni Colombo, Gabriele De Vecchi, Grazia Varisco) esemplificano la cosiddetta “arte programmata” – titolo della mostra di questa tendenza presentata al Negozio Olivetti di Milano nel 1962 da Bruno Munari e Umberto Eco – e l’apertura della ricerca sull’opera a una relazione complessa con l’architettura e la spazialità; peculiarità evidenti nell’opera di Colombo e che si ritrovano anche nel loro “contrappunto” europeo del Gruppo Zero di Düsseldorf, con Günther Uecker. Le opere di Mario Nigro, Dadamaino, Rodolfo Aricò, Arturo Bonfanti, Carlo Ciussi, Emilio Scanavino, Piero Dorazio, Gastone Novelli e Gianfranco Pardi mostrano l’interesse per una ridefinizione della pittura attraverso l’inclusione di determinanti geometriche che ne articolino la dimensionalità, come ad esempio nell’impiego delle shaped canvas (telai sagomati). Tra le opere più importanti di questa sezione, una grande Struttura pulsante in polistirolo di Colombo, la Colonna vertebrale di Scanavino, scultura di oltre tre metri, un’opera di Novelli dedicata all’editore milanese Vanni Scheiwiller.

Sezione 4 – Materiali, segni e figure

Una linea più propriamente concettuale e analitica è quella di Vincenzo Agnetti, Gianfranco Baruchello, Emilio Isgrò, Davide Mosconi, Ugo Mulas, Nanni Balestrini: si concentra sulla relazione tra parola, segno e immagine, nella messa in discussione degli statuti stessi della comunicazione visiva. Essa si intreccia alla duplice sperimentazione che caratterizza la seconda metà del decennio: da un lato, la scelta di materiali eterodossi in una nuova chiave concettuale come nelle opere di Alighiero Boetti e Luciano Fabro, che dialogano con la parallela situazione romana espressa da autori come Jannis Kounellis, ed Eliseo Mattiacci; dall’altro, l’adozione di una nuova figurazione, nelle opere di Valerio Adami ed Emilio Tadini che reggono la cultura Pop in una sospensione poetica e narrativa. Tra materiali e figure si muovono le opere di Gianni Dova, Roberto Crippa, Enrico Baj, Lucio Del Pezzo, mentre a procedimenti meccanici di figurazione si richiamano quelle di Bruno Di Bello e Gianni Bertini. Le nuove dimensioni della scultura sono esemplificate dal lavoro di Giuseppe Uncini, Arnaldo e Gio Pomodoro. Sono ricerche che trovano il loro contrappunto internazionale in autori stranieri presenti a Milano in questi stessi anni, come Hsiao Chin, William T. Wiley, Antonio Dias, Peter Caufield, Eduardo Paolozzi, Allen Jones, Louise Nevelson, che confermano la dimensione autenticamente dinamica e internazionale di questo contesto. Riassumono emblematicamente queste diramate direttrici di ricerca la celebre immagine verbovisuale della Volkswagen di Isgrò, la prima “verifica” di Mulas, la fisicità eterodossa di Italia in pelliccia di Fabro, le contaminazioni tra materia e personaggio del “generale” e delle “dame” di Baj, la modernissima figurazione de La camera afona di Tadini.